Entrevistando al artista - Javier Riera / Interview with the artist - Javier Riera
*(English below)
Javier Riera es un artista con el que la Galería Ana Serratosa lleva muchos años colaborando.
Junto a Javier Riera inauguramos Alameda Llum 2012, un proyecto al aire libre donde proyecciones digitales de formas geométricas se convirtieron durante unos meses en un elemento más del cauce del Río Turia.
Tras este proyecto Javier Riera ha seguido experimentando con sus obras, continuando con las proyecciones, la fotografía o las cianotipias, y ahora en esta nueva etapa vuelve a Valencia a para presentar su nueva obra.
Disfruta conociendo cómo nuestro artista ha ido evolucionando con el tiempo, y descubre con sus propias palabras parte de este proceso.
¿Qué significa para ti la naturaleza a la hora de crear?
Podría decirse que mi trabajo es una elaboración continua en relación a un concepto de la naturaleza en el que el mundo interior y el exterior se reflejan mutuamente. Lo mas íntimo se hace universal, emerge en contacto con el paisaje y se representa en él. Por otro lado lo ajeno, el espacio natural, se vive como intimidad. Entiendo este flujo como un modo de conocimiento hacia la comprensión de la unidad de todo.
¿En qué medida la geometría sirve de vehículo para expresar tu discurso artístico?
Entiendo la geometría como el lenguaje que puede describir el pulso profundo de la naturaleza. Me interesan los textos de Palazuelo, la obra de Emma Kunz, que trabajaba con un péndulo para crear dibujos sanadores, también los crop circles que aparecen en los campos de cereal en Inglaterra. La geometría existe antes de que descubramos sus leyes, es el diseño energético de los elementos esenciales de la naturaleza y del espíritu. Lo que intento con la geometría que practico no es construir algo sino mas bien hacerme eco de algo que ya existe.
Dada la multitud de medios en los que has trabajado a lo largo de estos años, ¿bajo qué medio te sientes más cómodo: pintor, fotógrafo, artista tecnológico, artista multidisciplinar?
La verdad es que no estoy preocupado por definirme en ninguna de esos recipientes. Creo que trabajo con el espacio, la luz y la geometría, en un sentido metafórico y físico, a partir de ahí mi obra ha utilizado diferentes medios a lo largo del tiempo
¿Cómo te has sentido al volver a mancharte las manos de pintura? ¿Cuán diferente ha sido, después de toda tu experiencia artística, volver a esta técnica inicial?
La pintura tiene un tempo distinto a otros medios por cuanto impone una lentitud y una concentración. La pintura pide un reposo, un grado de silencio dentro de la cabeza y también unas acciones muy decididas, que no tienen vuelta atrás ni repetición. En ese sentido sigue siendo un medio excepcional, que construye desde la nada mas absoluta. Volver a este tipo de experiencia en los procesos de trabajo ha sido muy gratificante.
Acostumbrado a hacer proyecciones en el exterior, donde las inclemencias climáticas pueden jugar en tu contra, ¿cómo ha sido adaptar estas proyecciones
en la seguridad del interior?
Tenía muchas ganas de hacer algo en interiores, y de nuevo debo citar la colaboración con Rosalina Fernández, fundamental en la realización del material que proyecto, que procede de ecuaciones matemáticas. Me divierte la parte de la pregunta en que te refieres a “la seguridad del interior”, porque los exteriores en que trabajo a menudo son muy gratificantes y el interior expositivo tiene otros problemas que hay que resolver. Lo que he hecho no es una adaptación a interiores, sino una obra diferente, en la que el dibujo en movimiento se multiplica y llena el ambiente, induciendo un estado contemplativo en el espectador.
¿Hay alguna relación entre los colores empleados en tus obras de interior a las de exterior?
En ambos casos lo que proyecto no tienen color, en las obras de exterior el color que puede percibirse es el de los árboles y sus variaciones. En las piezas de interior juego con los colores de las telas y la pieza va cambiando según donde ubico esos colores dentro de la pieza. En este sentido es, una vez mas, algo parecido a pintar
Además de artista también eres profesor en Universidad Francisco de Vitoria de Madrid y en el máster de Photoespaña, por lo que lidiar con las inseguridades y dudas de tus alumnos debe ser algo recurrente en tu día a día. ¿Qué te hubiera gustado que te dijeran a ti en tus primero años de camino artístico? ¿Crees que hubieras abrazado de una manera más temprana ese uso de las tecnologías?
Todos los procesos creativos conllevan un alto grado de incertidumbre y fracasos al principio y esto es bueno asumirlo. Tenemos un vigilante dentro que nos boicotea y que suele juzgar estos resultados mediocres para detener nuestro crecimiento. En la creación artística la libertad está antes que la calidad, sigue el hilo de tu ilusión y tu deseo y no te preocupes que la calidad irá llegando con el tiempo. Esto es lo que me hubiera gustado que me dijeran. En cualquier caso yo tuve algunos muy buenos maestros como Carlos León.
En cuanto a la última pregunta, creo que no hubiera abrazado antes el uso de las tecnologías porque la pintura fue mi único camino durante veinte años, durante los cuales las tecnologías no estaban tan disponibles. En ese tiempo se fueron desarrollando tanto como para ser algo cercano y asequible para todos
¿Cómo ves el futuro del arte? ¿Consideras que los NFT están aquí para quedarse o será solo una moda pasajera?
Creo que los NFT son el principio de algo que probablemente evolucione y tome otras formas pero sí, creo que se quedarán, sobre todo si se desarrolla como medio con sus particularidades específicas. El futuro del arte es muy amplio y diverso, lo importante no son tanto los medios como el modo en que el arte interpreta el mundo para cada generación
¿En qué medida crees que tu arte se asemeja a este nuevo formato artístico?
Es algo en lo que no he pensado hasta el momento.
Gracias Javier Riera por esta entrevista.
Javier Riera and Galería Ana Serratosa have been collaborating for many years.
Together with Javier Riera we inaugurated Alameda Llum 2012, an outdoor project where digital projections of geometric shapes became for a few months another element of the Turia River.
After this project Javier Riera has continued experimenting with his works, continuing with projections, photography or cyanotypia, and now in this new stage returns to Valencia to present his new work.
Enjoy knowing how our artist has evolved over time, and discover with his own words part of this process.
What does nature mean to you when it comes to creating?
It could be said that my work is a continuous elaboration in relation to a concept of nature in which the inner and outer world reflect each other. The most intimate becomes universal, emerges in contact with the landscape and is represented in it. On the other hand the alien, the natural space, is lived as intimacy. I understand this flow as a mode of knowledge towards understanding the unity of everything.
To what extent does geometry serve as a vehicle to express your artistic discourse?
I understand geometry as the language that can describe nature’s deep pulse. I am interested in the texts of Palazuelo, the work of Emma Kunz, who worked with a pendulum to create healing drawings, as well as the crop circles that appear in the cereal fields in England. Geometry exists before we discover its laws, it is the energetic design of the essential elements of nature and spirit. What I try with the geometry I practice is not to build something but rather to echo something that already exists.
Given the multitude of media in which you have worked over the years, under what medium do you feel most comfortable: painter, photographer, technological artist, multidisciplinary artist?
I’m not really worried about defining myself in any of those containers. I believe that I work with space, light and geometry, in a metaphorical and physical sense, from there my work has used different means over time
How did it feel to get your hands dirty again? How different has it been, after all your artistic experience, to go back to this initial technique?
Painting has a different tempo than other media because it imposes a slowness and a concentration. The painting demands a rest, a degree of silence inside the head and also some very determined actions, which have no turning back or repetition. In that sense it remains an exceptional medium, which builds from the most absolute nothing. Returning to this kind of work process experience has been very rewarding.
Used to making projections outside, where inclement weather can play against you, how has been to adapt these projections
in the interior security?
I really wanted to do something indoors, and again I must mention the collaboration with Rosalina Fernández, fundamental in the realization of the material that I project, which comes from mathematical equations. I am amused by the part of the question in which you refer to "the security of the interior", because the exteriors in which I work are often very rewarding and the expository interior has other problems to be solved. What I have done is not an adaptation to interiors, but a different work, in which the moving drawing multiplies and fills the environment, inducing a contemplative state in the viewer.
Is there any relationship between the colors used in your interior works and those used outdoors?
In both cases what project have no color, in outdoor works the color that can be perceived is that of trees and their variations. In the interior pieces game with the colors of the fabrics and the piece is changing according to where I place those colors inside the piece. In this sense it is, once again, something like painting
In addition to being an artist, you are also a professor at Universidad Francisco de Vitoria in Madrid and at the Photoespaña master’s degree, so dealing with the insecurities and doubts of your students should be something that recurs in your day to day. What would you have liked to be told to you in your first years of artistic journey? Do you think you would have embraced that use of technologies earlier?
All creative processes involve a high degree of uncertainty and failures at first and this is good to assume. We have a vigilante inside who boycotts us and who often judges these mediocre results to stop our growth. In artistic creation freedom comes before quality, follow the thread of your illusion and desire and do not worry that quality will come with time. This is what I would have liked to be told. In any case I had some very good teachers like Carlos León.
As for the last question, I think I would not have embraced before the use of technologies because painting was my only way for twenty years, during which technologies were not so available. At that time they were developed so much to be something close and affordable for all
How do you see the future of art? Do you think that NFTs are here to stay or will it just be a fad?
I think that NFTs are the beginning of something that is likely to evolve and take other forms but yes, I think they will stay, especially if it develops as a means with its specific particularities. The future of art is very broad and diverse, the important thing is not so much the means as the way in which art interprets the world for each generation.
To what extent do you think your art resembles this new artistic format?
It’s something I haven’t thought about so far.